The body and life: towards a painting of fragility
« My painting questions memory, the instability of forms and our relationship with living things, exploring the idea that nothing is immutable and that everything is in transition. I am interested in the body as a place of metamorphosis; a hybrid body that escapes fixity and reveals the presence of a world in perpetual change.
My compositions often take their starting point in mythological tales linked to the transformation of bodies and nature. I question these tales not as simple iconographic motifs, but as archetypes that continue to inhabit our collective imagination. They pose questions that are still relevant today: what becomes of the body in the face of constraint, violence and time? It is a way of questioning the survival of myths in the contemporary era and exploring the plasticity of identity. I paint from live models, but also by studying scientific imagery and classical statuary. All these representations feed into highly intuitive compositions in which, apart from the blind gazes of the statues, the figures always have their eyes closed. My characters are both absorbed in an inner world and immersed in a universe that transcends them. My pictorial practice thus explores the areas of transition between the visible and the invisible, body and space, intimacy and history. The challenge of my painting lies not in reproducing the ancient ideal, but in shifting it. The body is never a closed form: it is traversed, distorted, stratified. My ambition is to offer painting that remains in motion, open to transformation and interpretation. It functions like a dream in which symbols interact to create a strange, syncretic narrative. »
Erwann Tirilly
Le corps et le vivant : vers une peinture de la fragilité
« Ma peinture interroge la mémoire, l’instabilité des formes et le rapport au vivant, en explorant l’idée que rien n’est immuable et que tout est en transition. Je m’intéresse au corps comme lieu de métamorphose ; un corps hybride qui échappe à la fixité et qui révèle la présence d’un monde en perpétuel mutation.
Mes compositions ont souvent pour point de départ les récits mythologiques liés à la transformation des corps et de la nature. J’interroge ces récits non comme de simples motifs iconographiques, mais comme des archétypes qui continuent d’habiter notre imaginaire collectif. Ils posent des questions toujours actuelles : que devient le corps face à la contrainte, à la violence, au temps ? C’est une manière de questionner la survivance des mythes à l’ère contemporaine et d’explorer la plasticité de l’identité.
Je peins à partir de modèles vivants mais aussi en étudiant l’imagerie scientifique et la statuaire classique. Toutes ces représentations alimentent des compositions très intuitives dans lesquels, hormis les regards aveugles des statues, les figures ont toujours les yeux fermés. Mes personnages sont à la fois absorbés par un monde intérieur et plongés dans un univers qui les dépasse. Ma pratique picturale explore ainsi les zones de passage entre visible et invisible, corps et espace, intimité et histoire. L’enjeu de ma peinture ne réside pas dans la reproduction de l’idéal antique, mais dans son déplacement. Le corps n’est jamais une forme close : il est traversé, déformé, stratifié.
Mon ambition est de proposer une peinture qui reste en mouvement, ouverte aux transformations et aux interprétations. Elle fonctionne comme un rêve où les symboles interagissent pour créer une narration étrange, syncrétique. »
Erwann Tirilly
Breviary
"Painting has its own language. In my work, I use motifs that have multiple meanings and connotations. This forms what could be called a vocabulary, hence the idea of offering a breviary that would be like a gateway to delve deeper into my painting.
Bréviaire
"La peinture a son propre langage. Dans mon travail, j’utilise des motifs qui ont des significations et des connotations multiples. Cela forme ce que l’on pourrait appeler un vocabulaire, d’où l’idée de proposer un bréviaire qui serait comme une porte d’entrée pour aller plus en profondeur dans ma peinture.
ANATOMY//
I have been working on the representation of the human body for a long time. This has led me to various experiments. The exploration of internal structures is one of them. It is not a morbid fascination but rather a purely artistic pleasure. I find that internal organs have rich colours, shapes and textures. In addition to their visual beauty, I am interested in the symbolism of their functions. Each organ has its own internal biological clock set to the circadian rhythm, and I am inspired by this precision and complexity.
Painting the body in this way allows me to combine different aesthetic worlds, particularly that of science and, through the representation of the heart*, that of sacred art.
ANATOMIE//
Je travaille sur la représentation du corps humain depuis longtemps. Cela m’a conduit à diverses expérimentations. L’exploration des structures internes en est une parmi d’autres. Il ne s’agit pas d’une fascination morbide mais plutôt d’un plaisir purement plastique. Je trouve que les organes internes ont des couleurs, des formes et des textures d’une grande richesse. En plus de leur beauté visuelle, c’est la symbolique de leurs fonctions qui m’intéresse. Chaque organe a sa propre horloge biologique interne calée sur le grand rythme circadien, cette précision et cette complexité m’inspirent.
Peindre le corps de cette façon me permet de croiser différents univers esthétiques, notamment celui des sciences et, à travers la représentation du cœur*, celui de l’art sacré.
ANDROGYNY//
For several years now, I have been choosing statues and live models with adolescent looks to compose my paintings. These are bodies that interest me because of their fragility and androgyny. They convey both gentleness and great emotional power. Like everything else in this world, these beings are in transition. Despite their apparent fragility, they evoke the strength of life in the making and bring complexity to my characters.
ANDROGYNIE//
Depuis quelques années, je choisis des statues et des modèles vivants à l’allure adolescente pour composer mes tableaux. Ce sont des corps qui m’intéressent pour leur fragilité et leur androgynie. Ils amènent à la fois de la douceur et une grande puissance émotionnelle. Comme toute chose en ce monde, ces êtres sont en transition. En dépit de leur apparente fragilité, ils évoquent la force de la vie en devenir et apportent de la complexité à mes personnages.
ANTIQUITY//
By revisiting ancient or neo-antique statuary, I wish to question the representation of the human body while exploring the notions of time and ruin.
Beyond their beauty, what interests me most is the idea of injury. By painting these broken, amputated bodies, I seek to evoke human suffering and fragility.
Furthermore, the fact that these statues have survived for centuries makes the subject matter ambivalent. We are in the presence of fragile works that are, at the same time, extremely resistant to the passage of time. These wounds and missing limbs interest me. There is something about the destruction of these idealised bodies that transcends representation and touches me deeply.
ANTIQUITÉ//
En reprenant la statuaire antique ou néo antique, je souhaite questionner la représentation du corps humain tout en travaillant sur la notion de temps et de ruine.
En dehors de leur beauté, ce qui m’intéresse le plus, c’est l’idée de blessure. En peignant ces corps brisés, amputés, je cherche à évoquer la souffrance et la fragilité humaine.
En outre, le fait que ces statues aient traversé les siècles rend le propos ambivalent. Nous sommes ici en présence d’ouvrages fragiles et en même temps d’une très grande résistance au temps. Ces blessures, ces membres absents m’intéressent. Il y a quelque chose dans le fait que ces corps idéalisés soient détruits qui transcende la représentation et qui me touche profondément.
BAPTISM//
In my painting, water* is the place of change of state, the place that makes growth, rebirth or purification possible. From the Greek, ‘to plunge’, ‘to immerse’ but also ‘to wash’, baptism is present in my work, particularly through the position of bodies in space. They sometimes appear to be levitating, without us really knowing whether they are ascending or falling.
The reference is more direct in recent paintings, where water* is more prominent. The figures float in a state of suspension, yet a very slow movement of immersion or return to the surface is suggested.
BAPTÊME//
Dans ma peinture, l’eau* est l’endroit du changement d’état, le lieu qui rend possible la croissance, la renaissance ou la purification. Du grec, « plonger » , « immerger » mais aussi « laver », le baptême est présent en filigrane dans mon travail notamment à travers la position des corps dans l’espace. Ils apparaissent parfois en lévitation sans que l’on sache vraiment s’il s’agit d’une ascension ou d’une chute.
La référence est plus directe dans les peintures récentes où il y a une plus grande présence de l’eau*. Les figures flottent dans un état de suspens, un mouvement très lent d’immersion ou de retour à la surface est néanmoins suggéré.
BRANCHES//
The branches of forests that can be seen in the distance in some paintings sometimes appear in the foreground. This can take the form of dead wood planted in the water. These branches are like plant crutches, supports or landmarks for the floating bodies that surround them.
Horizontally, the submerged branches in the Anatomy of the Lake series function as roots that link the paintings together. In nature, the rhizome is the underground, sometimes subaquatic stem of certain perennial plants. Their constant expansion in all directions is somewhat reminiscent of my creative process. The same motif can have several meanings that accumulate and interact, sometimes making the overall meaning of my paintings labyrinthine, even enigmatic.
BRANCHES//
Les branches des forêts que l’on voit au loin dans certains tableaux apparaissent parfois au premier plan. Cela peut être sous la forme de bois mort planté dans l’eau. Ces branches sont comme des béquilles végétales, des supports ou des points de repères pour les corps flottants qui les entourent.
A l’horizontale, les branches immergées de la série Anatomie du lac fonctionnent comme des racines qui font le lien entre les tableaux. Dans la nature, le rhizome, c’est la tige souterraine, parfois subaquatique de certaines plantes vivaces. Leur déploiement évoluant en permanence dans toutes les directions est un peu à l’image de mon processus créatif. Un même motif peut avoir plusieurs significations qui vont s’accumuler et interagir, ce qui rend parfois le sens général de mes tableaux labyrinthique, voir énigmatique.
ROOM//
When the space of a room appears in my painting, it is always to signify introspection or inner conflict. As in Francis Bacon's work, it serves as a dramatic setting. It is sometimes reduced to its simplest expression. A tapestry, a closed door or a corridor are enough to define the scene. It is a confined space, a place of temporal suspension where an inner crisis, a transformation, takes place. The bedroom is a metaphor for the space of the mind, the realm of dreams and nightmares.
CHAMBRE//
Quand l’espace de la chambre apparaît dans ma peinture, c’est toujours pour signifier une introspection ou un conflit intérieur. Comme chez Francis Bacon, elle sert de cadre dramaturgique. Elle est parfois réduite à sa plus simple expression. Une tapisserie, une porte fermée ou un couloir suffisent à délimiter la scène. C’est une enceinte confinée, un lieu de suspens temporel où se joue une crise intérieure, une transformation. La chambre est la métaphore de l’espace cérébral, la zone du rêve et des cauchemars.
HEART//
One work among many fascinates me: it is one of ten scenes from the life of Saint Catherine of Siena painted by Giavanni di Paolo around 1460. This painting shows the saint exchanging her heart, which she literally holds in her hand, with Christ. It is the kind of work that fascinates me for its spirituality tinged with strangeness.
Since ancient times, the heart has been the symbol of emotional activity. I paint it as an icon, somewhat in the manner of the Sacred Heart, often represented in the form of a flaming heart shining with divine light.
With its plastic forms, the heart can easily evoke something else depending on how it is treated. Most of the time, I divert its colours to turn it into a candle holder, an organ that produces its own light.
Floating in water like an amphora or an antique vase, it sometimes resembles a strange wind instrument with organic shapes.
CŒUR//
Une œuvre parmi tant d’autres me fascine, c’est l’une des dix scènes de la vie de Sainte Catherine de Sienne peintes par Giavanni di Paolo vers 1460. Cette peinture nous montre la Sainte échangeant son cœur qu’elle tient littéralement dans sa main avec le Christ. C’est le genre d’œuvre qui me fascine pour sa spiritualité teintée d’étrangeté.
Depuis l’antiquité, le cœur est le symbole de l’activité émotionnelle. Je le peins comme une icône, un peu à la manière du Sacré-Cœur, souvent représenté sous la forme d'un cœur enflammé brillant d'une lumière divine.
Avec ses formes plastiques, le cœur peut facilement évoquer autre chose en fonction de la manière dont il est traité. La plupart du temps, j’en détourne les couleurs pour en faire un objet photophore, un organe qui produirait sa propre lumière.
Flottant dans l’eau comme une amphore ou un vase antique, il fait parfois penser à un étrange instrument à vent aux formes organiques.
COSMOS//
In his television series Cosmos, astronomer Carl Sagan stated, "The nitrogen in our DNA, the calcium in our teeth, the iron in our blood, the carbon in our apple pies, were made in the interiors of collapsing stars. We are all made of star dust. "
To question the human body is also to question the cosmos, because all living beings are made up of atoms forged during the cosmic events that shaped the history of the universe. The genealogy of the matter that composes us leads us to question the stars directly. By juxtaposing human bodies and celestial bodies, I attempt to represent humanity's connection to nature and the entire cosmos.
COSMOS//
Dans sa série télévisée Cosmos, l’astronome Carl Sagan déclarait « l’azote dans notre ADN, le calcium de nos dents, le fer dans le sang, le carbone dans nos tartes aux pommes ont été faits à l’intérieur d’étoiles qui se sont effondrées. Nous sommes faits de poussières d’étoiles. »
Questionner le corps humain, c’est aussi questionner le cosmos car tous les êtres vivants sont constitués d’atomes forgés lors des événements cosmiques qui ont fait l’histoire de l’univers. La généalogie de la matière qui nous compose nous amène à interroger directement les étoiles. En juxtaposant des corps humains et des astres, j’essaie de représenter la connexion de l’homme à la nature et au cosmos tout entier.
WATER//
Water has a powerful evocative force. Like a mirror, it produces reflections, inverted and distorted images. Water represents a mental space that I use as a dramatic framework for my compositions. It is the symbolic space of dreams and a metaphor for the unconscious.
The aquatic space is a subject in itself. Charles Darwin imagined that life could have originated in a small pond from chemical compounds that combined to form complex molecules. There are theories about the possible emergence of life in hydrothermal vents. The sea currents and life in the abyss, the dark waters of the lake in my paintings partly evoke this scientific research.
I also like the presence of water in my paintings because of the temporal dimension it brings. In classical painting, the river represents the passing of time. The water in the Anatomy of the Lake series is stagnant, representing the frozen time of the unconscious, a non-linear time.
On the other hand, water is a reference to sacred art, enabling purification and rebirth through baptism*.
The liquid element also symbolises the bodily fluids that make life possible, such as blood, milk and amniotic fluid.
This liquid space is therefore a semantic magma in which my luminescent characters float as if weightless. This state of floating also implies a notion of lightness, of bodies without mass, reminding us that we are in the presence of a metaphorical space.
EAU//
L’eau a une puissance évocatrice d’une grande portée. Comme un miroir, elle produit des reflets, des images inversées et déformées. L’eau représente un espace mental que j’utilise comme cadre dramaturgique pour mes compositions. C’est l’espace symbolique du rêve et la métaphore de l’inconscient.
L’espace aquatique est un sujet en soi. Charles Darwin avait imaginé que la vie aurait pu naître dans une petite mare à partir de composés chimiques qui se seraient combinés pour former des molécules complexes. Des théories existent concernant une possible apparition de la vie au niveau des sources hydrothermales. Les courants marins et la vie des abysses, les eaux sombres du lac présents dans mes toiles évoquent en partie ces recherches scientifiques.
J’aime aussi la présence de l’eau dans mes tableaux pour la dimension temporelle qu’elle apporte. Dans la peinture classique, la rivière c’est le temps qui passe. L’eau de la série Anatomie du lac est stagnante, c’est le temps figé de l’inconscient, un temps non linéaire.
D’autre part, l’eau est une référence à l’art sacré, elle permet la purification et la renaissance par le baptême*.
L’élément liquide symbolise également les fluides corporels qui rendent la vie possible, comme le sang, le lait, le liquide amniotique.
Cet espace liquide est donc un magma sémantique dans lequel mes personnages luminescents baignent comme en apesanteur. Cet état de flottaison implique aussi une notion de légèreté, de corps sans masse qui nous rappelle que nous sommes en présence d’un espace métaphorique.
FIRE//
The presence of fire in my painting is an expression of the immateriality of bodies. The clouds and wisps of smoke emanating from the landscapes are the result of sublimation. They are linked to the inner fire that drives the characters.
The smoke also refers to the type of narrative I use, which is opaque and mysterious.
In Ghost Dance, for example, I used fire for the light it gives off. In this painting, the forest fire illuminates the embrace of twin sisters, embodying the power of their relationship.
In contrast, in the paintings Focus and Premier rêve from the Fictions series, the character's head is literally burning. This combustion is an expression of self-destructive power, of an inner crisis.
In Cosmologia, a galaxy is superimposed on a child's face, his body disappearing into a gradient of red, ochre and black. These colours evoke the thermonuclear fusion of stars.
The word Incandescence comes from Candide, in the original sense of the term (candidus in Latin), meaning something that is white in colour (which by extension gave rise to the notion of purity of soul). Incandesco, ‘to be heated, to burn’, is therefore composed of the prefix in-, to intensify, and candesco, the act of turning white.
This primary meaning, which refers to a change in colour, particularly interests me because it echoes the external transformation I subject my figures to through colour in order to express their internal transformation.
FEU//
La présence du feu dans ma peinture est l’expression de l’immatérialité des corps. Les nuages et les volutes de fumée qui émanent des paysages sont le résultat d’une sublimation. Ils sont à mettre en relation avec le feu intérieur qui meut les personnages.
La fumée renvoie également au type de narration que j’utilise, opaque et mystérieuse.
Dans Ghost dance, par exemple, j’ai utilisé l’incendie pour la lumière qu’il dégage. Dans cette toile, le feu de forêt illumine l’étreinte de sœurs jumelles, il incarne la puissance de leur relation.
En revanche, dans les peintures Focus et Premier rêve de la série Fictions, le personnage a la tête qui brûle littéralement. Cette combustion est l’expression d’une puissance autodestructrice, d’une crise intérieure.
Dans Cosmologia, une galaxie se superpose au visage d’un enfant, son corps disparaît dans un dégradé qui passe par le rouge, l’ocre et le noir. Ces couleurs évoquent la fusion thermonucléaire des étoiles.
Le mot Incandescence vient de Candide, au sens premier du terme ( candidus en latin ), c’est à dire, ce qui est de couleur blanche ( qui par extension a donné la notion de pureté d’âme ). Incandesco « être chauffé, brûler » est donc composé du préfixe in- pour intensifier et de candesco, le fait de devenir blanc.
Ce sens premier, qui renvoie à un changement de couleur, m’intéresse particulièrement car il fait écho à la transformation extérieure que je fais subir à mes figures par la couleur pour exprimer leur transformation intérieure.
CAVE//
In my paintings, the cave is above all a theatrical setting, a space where, as in philosophical fables and ancient myths, transformation and metamorphosis are possible.
The act of painting itself is a direct reference to prehistory and cave art. Even when using modern tools, painting ultimately remains a primitive and mysterious act. Despite an atheistic approach, something remains of funeral rites and sacred art. To question this practice today is also to connect contemporary painting with the origins of art in caves. From this perspective, it is interesting to consider the exhibition space as a primordial cave.
GROTTE//
Dans mes tableaux, la grotte est avant tout un cadre théâtral, un espace où comme dans les fables philosophiques et les mythes anciens, la transformation, la métamorphose est possible.
L’acte de peindre en soi est une allusion directe à la préhistoire et à l’art pariétal. Tout en utilisant des outils modernes, peindre reste finalement un acte primitif et mystérieux. En dépit d’une approche athée, quelque chose subsiste des rites funéraires et de l’art sacré. Interroger cette pratique aujourd’hui c’est aussi mettre en relation la peinture contemporaine avec les origines de l’art dans les cavernes. Dans cette perspective, il est intéressant d’envisager l’espace d’exposition comme une grotte originelle.
TABLE//
This motif appears repeatedly in my painting. I use it in reference to the holy table found in religious representations, the delivery table, or even the table as a space intended for work. It is the object that embodies transcendence. The table also connects with the body and the digestive system as an instrument intended for feeding.
TABLE//
Ce motif apparaît à plusieurs reprises dans ma peinture. Je l’utilise en référence à la sainte table que l’on retrouve dans les représentations religieuses, à la table d’accouchement ou bien encore à la table en tant qu’espace destiné au travail. Elle est l’objet qui incarne la transcendance. La table fait également le lien avec l’organisme et le système digestif en tant qu’instrument destiné à l’alimentation.
VANITY//
A symbol that is ever-present in art history, I use it in my painting with all the clichés about death that it conveys. The skull is therefore present as an allegorical representation but, from a psychoanalytical perspective, it also refers to the vital processes described by Freud. The presence of the skull highlights the intertwining of the life instinct and the death instinct. More than a shadow hanging over the characters, the skull is a reminder of the necessary balance between these two instincts.
VANITÉ//
Symbole ultra-présent dans l’histoire de l’art, je l’utilise dans ma peinture avec tout ce que cela charrie de clichés sur la mort. Le crâne est donc présent en tant que représentation allégorique mais, dans une perspective psychanalytique, il renvoie aussi aux processus vitaux décrits par Freud. La présence du crâne souligne l’intrication entre pulsion de vie et pulsion de mort. Plus qu’une ombre planante sur les personnages, le crâne est davantage un rappel au nécessaire équilibre entre ces deux pulsions.
EMPTINESS//
Because it is interesting not to reveal everything, to let the imagination run wild, emptiness in my painting is first and foremost everything that happens outside the frame, everything that is simply suggested by the image.
It can also be translated as absence, particularly the broken limbs of ancient statues, which I find incredibly powerful. Then there is the absence of gaze; my characters all have closed or scratched eyes, as if asleep, their gaze turned inward. Only the statues have open eyes, but of course, these gazes are blind.
There is also the absence of the characters from their own stories; they are in a state of introspection or meditation, as if overwhelmed by their surroundings. There is no apparent link between the figures, but they nevertheless coexist in another way.
Finally, the void is the space between the paintings in the exhibition. It is the viewer who makes the connection between the images. As in cinema with ellipses, the viewer fills in the gaps."
VIDE//
Parce qu’il est intéressant de ne pas tout dévoiler, de laisser l’imagination opérer, le vide, dans ma peinture, c’est d’abord tout ce qui se passe en dehors du cadre, ce qui est simplement suggéré par l’image.
Il peut se traduire aussi par l’absence, celle notamment des membres brisés des statues antiques que je trouve d’une puissance incroyable. Puis l’absence du regard, mes personnages ont tous les yeux clos ou rayés, comme endormis, le regard tourné vers l’intérieur. Seules les statues ont les yeux ouverts mais bien sûr, ces regards sont aveugles.
Il y a également l’absence des personnages à leur propre histoire, ils sont dans un état introspectif ou en méditation, comme dépassés par ce qui les entoure. Il n’y a pas de lien apparent entre les figures mais elles coexistent néanmoins d’une autre façon.
Le vide, c’est enfin l’espace entre les tableaux lors de l’exposition. C’est le spectateur qui fait le lien entre les images. Comme au cinéma avec les ellipses, il comble les vides."
Erwann Tirilly
